sábado, 14 de abril de 2018

Ah LOS OLVIDOS


Leo hoy en LA  VOZ DE GALICIA  que un hombre dejó encerrada a su novia en el coche durante seis horas. Volvían de una boda, era de noche, el hombre salió del coche, cerró con llave y se fue a dormir. La chica golpeó las ventanillas, intento abrir las puertas pero todo era inutil. Como las desgracias nunca vienen solas su teléfono estaba sin batería. Seis horas encerrada hasta que pasaron unos vecinos y al darse cuenta de la situación avisaron a la Guardia Civil.
El tranquilo novio que estaba durmiendo a pierna suelta entregó las llaves y la joven fue liberada.


Y ¿Todo queda así? ¿Se puede pasar página tan rápido?

Recuerdo un día que bajé la basura por la noche y me quedé encerrada en el ascensor. Tres horas interminables que a mi me parecieron un siglo. No era una sensación de miedo, era impotencia. ¿Nadie me echaba en falta?
En este jodido mundo super mecanizado puedes morirte en un ascensor o de una caída en tu casa sin que a nadie le importe. Cuando a las cuatro de la mañana alguien se percató de mi "secuestro" no pedí que me rescataran, solo dije "despierta a los de mi casa".  Ante mi mirada asesina solo balbuceaban "yo que sé"... "es que a veces vienes a la cama tarde"...."es que..."

Bueno, lo importante es ser positivo y pensar que todo puede ser peor

jueves, 12 de abril de 2018

Andrés Nagel

Resultado de imagen de Andrés Nagel

Andrés Nagel estudió Arquitectura en Pamplona entre 1965 y 1972, fecha en la que comienza a trabajar el grabado y conoce a Eduardo Chillida, referente fundamental en su trayectoria. Por esos años forma parte del grupo de artistas –Vicente Ameztoy, Ramón Zuriarrain, Marta Cárdenas…– empeñados en renovar la plástica vasca a partir de un ideario figurativo en clave contemporánea y, a menudo, utilizando recursos derivados del arte pop, del surrealismo y del expresionismo.
A pesar de iniciarse como pintor, pronto mostró su preferencia por la escultura haciendo uso de nuevos materiales de origen industrial. Su afán experimental le ha llevado a trabajar con óleo, acrílico, hierro, bronce, zinc, latón, plomo, estaño, fibra de vidrio y poliéster, y también a reutilizar objetos preexistentes –latas, cuerdas, tubos de neón o muebles–, manejados mediante diversas técnicas como la escultura, la pintura, y las artes gráficas. Uno de sus materiales preferidos es la fibra de vidrio, que emplea sin moldes buscando la inmediatez entre la idea y el objeto. También trabaja habitualmente el collage, que le permite usar expresivamente los contrastes entre texturas y ejecutar y alterar la obra con rapidez.

Muchas de sus obras recogen un complejo mundo de referencias contemporáneas procedentes del cine, el cómic, el cartelismo y la publicidad, pero también del arte antiguo. Con todo ello, Nagel ofrece una personal visión artística que desconcierta al espectador al presentar una narración de lo cotidiano irónica, burlesca o abiertamente absurda.

Manuel Ángel Álvarez



Manuel Angel había nacido en A Guarda, en 1855. Se inició muy joven en la pintura y a los 18 años ya había grabado los frescos de la iglesia de O Rosal. Entre 1873 y 1875 estudió en la Academia de San Fernando de Madrid y ese último año emigró a La Habana donde residía un hermano suyo. Allí comenzó una exitosa carrera que le permitió vivir del arte a través de numerosos encargos.

En Cuba, trabajó como ilustrador de la revista La Ilustración Gallega y Asturiana y se inició en los temas que desarrollaría en su etapa de madurez y que lo llevarían a ser uno de los pintores más reconocidos de su tiempo: el paisaje y los temas de historia.
Algunos de sus cuadros _como Reclusa o Violación_ llegaron a venderse por 1.125 pesetas. Y por su éxito y prestigio, los emigrantes le encargaron pintar los frescos del techo del gran salón del Centro Gallego de La Habana, que son de su autoría.

El pintor guardés regresó a España en 1881 con dos proyectos: concurrir a la Exposición Nacional de ese año con su obra Doña Leonor Téllez, reina de Portugal, prisionera en el convento de Tordesillas y presentar, el año siguiente, a la Exposición del Ministerio de Ultramar su obra El Mariscal Pedro Pardo de Cela.
Así lo hizo. Y en la segunda de las exposiciones _inaugurada por los Reyes de España y Portugal en Madrid_ su cuadro sobre el Mariscal alcanzó gran éxito de crítica y público.
La prensa hizo grandes elogios del joven pintor y lo denominó El pintor de la Historia, apelativo con el que fue conocido posteriormente.
El Debate escribió que el cuadro representaba el instante en que el Mariscal, perdida ya toda esperanza de supervivencia en su batalla final, miraba desde la terraza de su castillo, “con tristeza pero sin temor”, al ejército que lo sitiaba en A Frouseira.
Manuel Angel donó a la Diputación el óleo a cambio de una beca de 1.000 pesetas para realizar estudios en Madrid y Florencia. Y años después pidió que estuviera presente en la Exposición Regional de Lugo de 1896. Fue la única vez que el cuadro salió del Pazo Provincial de Pontevedra. 
Murió en Madrid en 1921

                         Información-  LA VOZ DE GALICIA

lunes, 9 de abril de 2018

Hans Holbein el joven




Archivo:The Artist's Family, by Hans Holbein the Younger.jpg
La familia del artista

Archivo:Hans Holbein d. J. 049.jpg
Enrique VIII


Archivo:Edward VI by Holbein.jpg
Retrato de Eduardo VI de niño



Archivo:Holbein-erasmus2.jpg
Erasmo de Rotterdam retratado por Hans Holbein el Joven en 1523.


File:Hans Holbein the Younger, self-portrait.jpg
Autorretrato

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Jane Seymour

Nacionalidad: Alemania
Augsburgo 1497 - Londres 1543
Pintor


Nacido en Augsburgo en 1497, es hijo de Hans Holbein el Viejo. Su vida está surcada por continuos viajes, que le llevaron a Italia, Francia, Inglaterra y Suiza, con lo que pudo conocer los principales focos de pensamiento y vanguardia de la época y empaparse de las corrientes dominantes, como el humanismo. En Italia se empapó de las formas arquitectónicas de Bramante y del arte de Mantegna. Es autor de varias magníficas obras, como un "Cristo muerto" o retratos de Erasmo y Paracelso, quizás esta última su más destacada actividad. Como retratista sabe plasmar el rango y dignidad de los personajes, dando una dimensión humana enmarcada de lleno en el Renacimiento. Realiza también los retratos de Tomás Moro, de Enrique VIII, de Jane Seymour o de Ana de Cléves, con una gran fuerza psicológica que le pone en relación con los maestros flamencos. Falleció en Londres en 1543. 


ARTE HISTORIA

Girolamo di Benvenuto-Santa Catalina


1470-1542- Este pintor trabajó, sobre todo, en Siena y alrededores. Santa Catalina, patrona de la ciudad, es uno de los temas más recurrentes en su pintura.

En SANTA CATALINA DE SIENA INTERCEDE ANTE CRISTO PARA LIBERAR A PALMERINA

Este pequeño panel representa un episodio de la leyenda de Santa Catalina en la que interviene otra monja dominica llamada Palmerina. A pesar de los esfuerzos de Catalina por reconciliarse con ella, Palmerina mostraba una implacable hostilidad hacia la santa. Sin embargo, cuando cayó enferma de muerte, Catalina rezó para que no fuera condenada al castigo eterno por haber muerto sin arrepentimiento.

La primera parte del cuadro nos muestra a Jesucristo, rodeado de querubines,  apareciendo ante Catalina, sumida en sus plegarias. Jesucristo le advierte de que Palmerina está condenada. Detrás de Catalina se encuentra el diablo, que, según la tradición, se aparecía en los lechos de muerte de los deshonrados para llevarse sus almas, con un largo pergamino con los pecados de Palmerina.  Las súplicas de Catalina acaban por convencer a Jesucristo de que no deje morir a Palmerina hasta que se haya convertido en una verdadera penitente, frustando así los planes del diablo.


 La escena  de la derecha  nuestra a Catalina  y a un monje funto al lecho de muerte de Palmerina, que acaba  confesándose de todos sus pecados y muerte habiéndose reconciliado con la santa-


Ref. HISTORIA DEL ARTE

miércoles, 4 de abril de 2018

Lula Goce





Lula Goce (Baiona-Pontevedra, 1976). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de Pintura; Doctorada y Máster en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona; Técnica en Ilustración por la Escola de la Dona de Barcelona y técnica en diseño gráfico por el Centro Pauta Formació de Barcelona. Esta artista, que emplea fundamentalmente el lenguaje del dibujo, fue quien de diseñar hermosas instalaciones en las que el papel y la repetición tienen mucha relevancia. En sus murales y dibujos predomina el cuerpo humano y, en muchos casos, el cuerpo desnudo aparece invadido por la naturaleza. 

Información Cidade da Cultura

lunes, 2 de abril de 2018

Cagnaccio di San Pietro


Cagnaccio di San Pietro, también conocido como Natale Bentivoglio Scarpa, (Desenzano sul Garda 1897 - Venecia 1946) crece en la isla de San Pietro in Volta en la laguna veneciana, lugar de origen de los padres.
En Venecia sigue los cursos de Ettore Tito en la Academia de Bellas Artes y, hacia 1911, se involucra en el entonces futurismo naciente. La dramática historia de la guerra marca una profunda línea divisoria entre una primera y una modificación definitiva de su visión del mundo, una experiencia extrema que invierte todo el entorno artístico de ese período. En 1919 participa  junto con Gino Rossi, Casorati, Garbari, Semeghini en la exposición de Cà Pesaro en Venecia. 

Alrededor de 1920 comenzó a firmar su obra con el nombre de Cagnaccio como se lo conocía en la pequeña isla de San Pietro.  
En 1922 expuso por primera vez en la Bienal de Venecia. Sus temas favoritos eran bodegones, los niños y la vida cotidiana, pintados en un estilo  a veces dramático con una extrema atención al detalle. No muy lejos de los logros formales de la Nueva Objetividad Alemana, empujó el realismo a su forma más extrema y alienada.
Uno de sus cuadros más conocidos- despues de la orgía (1928), muestra tres mujeres desnudas durmiendo en el suelo con botellas de vino, con cigarrillos y  cartas. Fue rechazado por el comité de la Vienal de Venecia, probablemente porque mostraba con claridad brutal la corrupción del fascismo.

En la década de 1940 enfermó y pasó la guerra hospitalizado en Venecia, donde murió en 1946



sábado, 31 de marzo de 2018

LA GALICIA DE HOY Y DE SIEMPRE



La historia se repite, siempre, siempre... Ya lo decía Castelao "el  gallego no protesta, emigra"
Su padre ya se había ido, largos años en Suiza, en Leukerbad, en la parte alemana ¿Por qué  no repetir la historia? Dificil es encontrar empleo y los alquileres están por las nubes, pero hoy ya colocado, comienza a recibir llamadas todo el día. «Ao pouco de virme, comezaron a chamarme amigos e coñecidos que quedaran no paro en Galicia. Axudeilles a uns cinco a buscar traballo. Seguen a vir moitos, pero xa non é tan fácil atopalo».
Víctor se encuentra con Adolfo en la Irmandade Galega de Onex, el bar de la Irmandade es un punto de encuentro para los que han tenido que abandonar la tierra. 


Mila, es de  Sanxenxo, igual que adolfo.  Es ingeniera Técnica forestal e igual que su padre ha tenido que irse a Basilea. Empezó trabajando en hostelería y ahora está en una empresa de canalizaciones.


¿Dónde ven su futuro? Víctor no quiere poner fechas, pero: «Aquí non»Mila mira a su hija : «Es complicado irme ahora»  

Y mientras, en Galicia...
Emilia es la única que resiste en su aldea. Es viuda, esta sola pero dice que mientras respira no abandonará Oza- Cesures. A sus  82 años combate la soledad charlando con la televisión y  se comunica con sus hijos y nietos por teléfono.

 Enriqueta López, de 67 años, también viuda, tiene tres vacas, tres perros, innumerables gatos y una burra. «Hai días que falo cos animais, con quen vou falar?».

Laika, la perra, la sigue a todas partes

¿Alguna vez se ha planteado dejar este sitio para vivir en compañía de más personas? «Moitas veces me acordou iso, pero non vou empezar agora a matar os animais, teño que coidalos»


 LA VOZ DE GALICIA

martes, 27 de marzo de 2018

RODEADOS DE PODREDUMBRE

A veces me siento tan desmoralizada... La corrupción en España está tan generalizada que ya afecta a Instituciones tan serias como LA UNIVERSIDAD  PUBLICA. Menos mal que hoy, al abrir el periódico me llevé una  pequeña alegría:
Los comuneros de Cabral se apuntan a las urnas tras una asamblea bronca: el 17 de abril. Convocan elecciones y aprueban las cuentas de 2014 y 2015 en un clima dividido.
"El juzgado de Primera Instancia número 3 de Vigo falló ayer en contra de la junta rectora de la Comunidad de Montes Vecinales en Mano Común de Cabral al estimar que la aprobación del convenio de alquiler al AEROCLUB  fue «una flagrante conculcación del régimen de mayorías legal»

La Ley de Montes en mano Común dice que estos son inalienables, imprescriptibles e inembargables.  Podrían expropiarse por razones de interés general, permutarse o alquilar, como es este caso, pero siempre cumpliendo las normas asamblearias. La sentencia dice:
Los comuneros de Cabral se apuntan a las urnas tras una asamblea bronca: el 17 de abril. Convocan elecciones y aprueban las cuentas de 2014 y 2015 en un clima dividido.
Que la aprobación del convenio fue «una flagrante conculcación del régimen de mayorías legal 

-Falta de cuórum en la asamblea ya que recogiendo los estatutos de la mancomunidad, el magistrado señala que acuerdos de cesión como el de la ratificación del citado convenio de alquiler requería del voto favorable del 50 % del censo de comuneros si se aprobaba en primera convocatoria, y del 30 % si se acudía a una segunda cita, tal y como ocurrió. «El acuerdo es necesariamente nulo de pleno derecho al ser contrario a la Ley»
.

Mi alegría no es porque no se haya podido cumplir el  acuerdo con el AEROCLUB,  que yo pienso que debe seguir en Peinador sino porque todos los  depredadores que están acechando nuestros montes  le vean "las orejas al lobo". 

Ahora estamos en plena pelea ABEL CABALLERO, alcalde de la ciudad/ Mouriño, presidente del Celta.

Mouriño defiende la legalidad del complejo de Mos y niega su perjuicio a Vigo: "El proyecto se hará"

-Acusa al Concello de "romper" su pacto -"Si se sigue entorpeciendo la ciudad deportiva no habrá convenio con Balaídos", avisa -Sobre la relación con el Ayuntamiento: "Siempre estoy abierto al diálogo, pero está dañada" -"Alcalde, no me sometes"



¿De  que pacto habla?

Todo esto tiene muy mala pinta... seguiremos indagando...

miércoles, 21 de marzo de 2018

Carlo Levi




Escritor, periodista, artista y médico italiano, cuya primera novela documental, Cristo detenido en Eboli (1945), se convirtió en una sensación internacional e introdujo la tendencia hacia el realismo social en la literatura italiana de posguerra. Aunque la obra maestra de Levi se estableció en los tiempos de la opresión fascista antes de la Segunda Guerra Mundial, aún no ha perdido su gran atractivo. El libro hizo mucho para que el mundo entendiera la situación de las regiones al sur de Roma, que han sido explotadas durante mucho tiempo por razones económicas o políticas.
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Carlo Levi nació en Turín en una familia de clase media alta.  Después de estudiar medicina en la Universidad de Turín, se convirtió en médico en ejercicio. Durante sus primeros años formativos, Levi entró en contacto con la ideología socialista. A partir de 1922 comenzó a contribuir con Pietro Gobetti  en La Rivoluzione Liberale , un bastión de antifascismo, que se cerró en 1925 por orden de Mussolini. Después de abandonar su carrera médica, Levi se dedicó a la pintura y la política. En 1930, Levi se unió al movimiento de reforma social 'Giustizia e Libertà'. 
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Como judío y por sus actividades antifascistas, Levi fue exiliado de 1935 a 1936 en dos aldeas aisladas en la provincia de Lucania, donde su casa es ahora una atracción turística. Los años de su destierro Levi pasó en una actividad fructífera: continuó como pintor y trabajó como médico para los aldeanos. Tras su liberación se fue a Francia, donde vivió hasta 1941.
En 1939 apareció el ensayo de Levi "Paura della libertá", una meditación que constituye una demostración apasionada de la irracionalidad coercitiva de la dictadura. Durante la Segunda Guerra Mundial participó en la Resistencia. Se unió al Partito d'Azione y al Comité Central del movimiento de Liberación Nacional. En Toscana editó La Nazione del Popoloy en Roma L'Italia Libera, el portavoz de la Action Party.   Mientras se escondía en Florencia en una habitación durante varios meses para evitar la deportación como judío por los nazis en retirada, Levi escribió Cristo si è fermato a Eboli .
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Después de la guerra en 1946, Levi se postuló sin éxito para la Asamblea Constituyente. Continuó exhibiendo sus pinturas y contribuyó a las principales publicaciones italianas, incluido el diario de Turín La Stampa . Como pintor, intentó expresar la realidad arcana. A fines de la década de 1940, el traductor estadounidense William Weaver llegó a Roma y se hizo amigo de varios escritores, entre ellos Carlo Levi, y dio a conocer su obra en los Estados Unidos.
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El compromiso de Levi con la gran cantidad de víctimas impregnó su trabajo como editor y periodista, y también participó activamente en política. Desde la década de 1950 en adelante produjo una serie de libros basados ​​en sus viajes. Il futuro ha un cuore antico (1956) fue un relato de sus experiencias en Rusia, pero en lugar de escribir sobre la realidad de la vida soviética, retrató al país como un lugar donde los ideales podrían realizarse. The Linden Trees (1962) trató sobre la Alemania de la posguerra y examina las raíces de una sociedad que toleraba el ascenso del nazismo. En 1963, Levi firmó un llamamiento al gobierno italiano para mantener a Italia fuera de la industria de armas nucleares. Fue elegido el mismo año en el Senado como independiente en listas del Partido Comunista Italiano, sirviendo allí hasta su muerte el 4 de enero de 1975.

martes, 20 de marzo de 2018

Los artistas y sus musas



Ya han pasado más de  125 años del nacimiento de Walter Gropius, más conocido por ser el padre de la Bauhaus y culpable, aunque esto ya no es tan famoso, de haberle robado la esposa al compositor Gustav Mahler, autor de desgarradoras sinfonías en “honor” de su mujer, Alma Mahler.

 Y es que, desde los tiempos del emperador Adriano y Antínoo, las historias de amor –o sus consecuencias- han poblado las esferas del pensamiento y el arte. La propia Alma Mahler, sin ir más lejos, es un buen ejemplo. Asidua de los círculos intelectuales de principios de s.XX y amante del susodicho Gropius, conquistó tanto al precursor del Estilo Internacional como a los pintores Gustav Klimt y Oskar Kokoschka, entre otros. No es sólo un caso de cotilleo artístico, va más allá. En la mayoría de los casos las relaciones sentimentales de los artistas son indisociables de su obra, y “sus mujeres” ( dado que, por lo general, los anales del arte tienen carácter masculino ) una fuente de inspiración.

Y se hicieron las musas…

“Etimológico” es una palabra que no puede dar a entender todo el significado de un término como “origen”, sin embargo, si hablamos de definiciones, es imposible no acabar cayendo en su uso. Así, por ejemplo, “museo”, etimológicamente hablando, es “el lugar donde habitan las musas”. O, lo que es lo mismo, el espacio que acoge todas las creaciones inspiradas por estas deidades mitológicas protectoras de las ciencias y las artes liberales. Nacieron, según la leyenda más extendida, de la unión de Zeus y Mnemósine; de Gea ( la Tierra ) y Urano ( el Cielo ) para muchos otros. Las versiones acerca de su origen son diversas, así como su número, consensuado finalmente por los griegos en nueve. Aunque, en la realidad, han sido muchas más...



Amor, pasión y arte

Que Goya estuvo locamente enamorado de la duquesa de Alba no es ningún secreto, pero que exista la posibilidad de que fuera la fuente de inspiración de La Maja desnuda hace que miremos lo que se suponía un amor platónico con otros ojos. En cualquier caso, todos los testimonios dejan constancia de la fascinación que sentía el pintor por esta Grande de España. A lo largo de la historia han existido mujeres que, por su belleza, su carácter, o un extraño cúmulo de cualidades concretas, han enloquecido a artistas de toda condición. Dalí permaneció al lado de Gala durante más de cinco décadas. Once años mayor que él, casada con Paul Eluard cuando se conocieron y tendente a las infidelidades, fue adorada por el pintor como su mujer y su musa, y convertida en eje central de algunas de las mejores obras que éste dio al surrealismo.
Los casos son múltiples, y cada uno de ellos nos ayuda a comprender la figura de un creador y, en ocasiones, el motivo de sus creaciones. Así, al igual que se ha llegado a decir que Dalí no sería Dalí sin Gala, podemos asegurar que la obra del obsesionado Dante Rossetti no existiría sin Elizabeth Siddal.

 Su apariencia lechosa y su larga cabellera pelirroja atrajeron la atención de Millais, el primero de los prerrafaelitas en representarla como la Ofelia difunta de Shakespeare. No transcurriría mucho tiempo antes de que este hecho se convirtiera en realidad: tras la muerte de la hija que tuvo con Rossetti, y anulada y atormentada por un matrimonio obsesivo, Elizabeth se quitará la vida con tan sólo 33 años. Al igual que Jeanne Hébuterne se suicidará estando encinta tras conocer la muerte de Modigliani, una figura que no puede ser considerada como el más fiel y atento de los amantes ( agredía incluso a sus compañeras de cama ).
Estos nombres son tan sólo la forma por la que fueron conocidas las mujeres reales que compartieron la vida de algunos de los más famosos artistas de la historia, pero todas ellas perviven en su arte; en unas ocasiones como mártires del amor, encarnando a la Beatriz de Dante ( Beata Beatrix será el homenaje final de Rossetti a su compañera ), en otras como una de las muchas mujeres representadas por un pintor acostumbrado a los excesos, pero la única a la que jamás retrató desnuda.


Sin llegar a semejantes extremos, encontramos musas para todos los gustos, algunas de ellas de sobra conocidas por todos ( aunque aún no lo sepamos ), como Simonetta Vespucci, belleza famosa en la Florencia renacentista, alabada por poetas y deseada por nobles, es la conocida Venus de Boticelli. Los binomios son infinitos, casi tantos como artistas: Man Ray y Lee Miller, Rodin y Camille Claudel, Filippo Lippi y Lucrecia Buti, musa compartida igualmente por Boticelli, y un largo etcétera. Pero no sólo las mujeres han ejercido como tales, existen también “musos”: no hay más que recordar la extraña relación existente entre Van Gogh y Gauguin, por lo menos en lo que al primero respecta, para descubrir que ha habido personas que han desempeñado este papel, aunque la condición de amantes quedara excluida ( véase si no a Andy Warhol, homosexual reconocido, y a la malograda Edie Sedgwick ).