lunes, 14 de agosto de 2017

Felix Nussbaum


 Nacido en 1904 en  Osnabrueck, en el seno de una familia de comerciantes acaudalados. Su padre, coleccionista de arte y artista amateur, le enseñó a amar la pintura.

Formado en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo con Cesar Klein, Hans Meid y Paul Plontke. Al acabar sus estudios descubrió la obra de Henri Rousseau, Chirico, Max Beckmann y Otto Dix.  "Yo ya había dejado atrás el mundo de la inocencia, hice grandes composiciones, obras de burla, que acusaban y provocaban" Sus cuadros muestran una amplia gama de conflictos y emociones

Despues de exponer su obra "la plaza fantástica"- obra acabada en 1931, obra en  la que criticaba el arte oficial y el estancamiento intelectual en el mundo académico de Berlín,  le concedieron una beca para Villa Massimo de Roma.

En  1933 Hitler llegó al poder, las primeras leyes antijudías fueron aprobadas y Nussbaum pasó el resto de su corta vida huyendo entre Italia, Suiza, Francia y  Bélgica, en constante peligro cada vez que salía de su escondite para pintar. 

 Fue detenido por primera vez en Bélgica en 1940 y deportado con su mujer, la artista polaca Felka Platek al campo de concentración de Saint-Cyprien en Francia de donde consiguieron escapar para ocultarse en Bélgica hasta 1944. Finalmente fue denunciado por un vecino y deportado a Auschwitz, donde murió.

Muchos de sus cuadros fueron escondidos por el doctor belga Grosfils. Ahora su obra puede verse en el Museo Felix-Nussbaum en Osnabrück, que fue abierto en 1998, siguiendo los deseos del pintor "SI YO DESAPAREZCO, NO DEJEIS QUE MI OBRA DESAPAREZCA CONMIGO, MOSTRARLA"
Las primeras obras de Nussbaum que salieron del olvido pudieron verse en 1955, en una exposición colectiva organizada en el Museo de Osnabrück, pero el pintor fue sólo verdaderamente descubierto cuando su sobrina, Auguste Moses-Nussbaum, se convirtió en propietaria oficial de un centenar de obras que en 1969 dejó en depósito en el Museo de Osnabrück.

Lo logró tras haber luchado ante los tribunales belgas durante veinte años con los herederos del doctor Grosfils, a quien Felix Nussbaum pidió que custodiase sus cuadros en 1942, cuando el gobierno militar alemán promulgó el estatuto de los judíos de Bélgica.


Un segundo conjunto de obras, las que se encontraban en la buhardilla de la calle Archimède de Bruselas, donde el pintor vivía escondido con su esposa hasta que fueron delatados, y arrestados en junio de 1944, fueron adquiridos por el anticuario belga Willy Billestraet


jueves, 10 de agosto de 2017

ALEGORIA DE LA REGENCIA DE ANA DE AUSTRIA



Ana de Austria era la mayor de los ocho hijos que tuvieron FelipeIII y Margarita de Austria.  Ana nació en Valladolid en 1601. A pesar de que su madre murió cuando ella tenía 10 años, tuvo una infancia feliz

En 1815 Ana cruzaba el puente sobre el Bidasoa hacia Francia y  en sentido contrario llegaba su cuñada Isabel de Francia. Ambas habían contraído matrimonio por poderes, Isabel con el futuro rey Felipe IV, hermano de Ana,  y Ana se había casado, tambien por poderes con Luis XIII, rey de Francia

La reina madre, María de Médicis se encargó de amargarle la vida a la pareja, ayudada por el Cardenal Richelieu se dispuso a separarlos.  Aparte del odio de su suegra, Ana tambien se daba cuenta de la poca estima que le tenía su marido, ademas de la repugnancia patológica que tenía Luis XIII hacia las mujeres.  

 Siete años despues del matrimonio Ana consiguió quedarse embarazada, pero perdió el hijo. 

Muchos años despues, cuando ya iba a cumplir 40 años, consiguió tener el que sería el futuro heredero Luis XIV

En 1643 murió Luis XIII y siendo su hijo menor de edad, Ana heredaría la regencia

 
En el centro de esta gran composición de Laurent de la Hyre vemos la personificación femenina de Francia, vestida con túnica clásica y sosteniendo una hoja de palmera en señal de victoria, así como un globo terráqueo estampado con flores de lis (flor heráldica del escudo real francés). El personaje alado que aparece detrás de Francia  se dispone a colocarle la corona de laurel, como representación de la victoria, la virtud o incluso la fortaleza y la constancia, tal como sugiere la columna. Encima de ellas, la fama celebra las glorias de Francia soplando un cuerno, mientras el joven de la derecha parece estar arrojando armas de guerra al fuego en señal de paz. El templo clásico del fondo, el cuerno, la cornucopia y la fruta situada a los pies de Francia representan los múltiples y civilizados beneficios de la paz.

 Este cuadro, pintado en  1648 se ha interpretado como una alegoría del Tratado de Westfalia que se firmó ese mismo año y que supuso el final de la guerra de los Treinta Años. Tambien se ha visto como una alegoría de la regencia de Ana de Austria.



EVA PRIMA PANDORA

En la mitología griega, Pandora fue la primera mujer, hecha por orden de Zeus para introducir males en la vida de los hombres. Este desnudo, obra de Jean Cousin el Viejo, que data de hacia 1550, mezcla temas mitólogicos y cristianos. Pandora trajo el mal al mundo, por lo tanto es la equivalente de Eva. Esta pintura es, en definitiva, un fuerte mensaje de los peligros de la mujer.
De la obra de Jean Cousin el Viejo poco se sabe, se conoce que diseñó un reloj y que reparó una estatua para la catedral de Sens (suroeste de Francia), su ciudad natal. Sus cuadros tienen influencias del arte holandés de los manieristas italianos y de la escuela de Fontainebleau.

¿Que significado tiene el cráneo? Los monjes y los santos solían meditar ante un cráneo, ya que era un recordatorio de la muerte-En los bodegones holandeses se incluían a modo de recuerdo de la "brevedad o de las vanidades de la vida"

miércoles, 9 de agosto de 2017

EL CRISTO DE LA VICTORIA



Cuando alguien me dice; "que religiosos los vigueses", siempre contesto que no se trata de religión, es otra cosa. Yo soy viguesa y nunca fui a esa procesión, bueno ni a otras, excepto cuando  era niña y me metían detrás de algún santo para lucir el traje de primera comunión- En aquellos tiempos yo vivía cerca de una modista y veía como las mujeres se hacían trajes bonitos para lucir ese día, el primer domingo de agosto,  y algunas llevaban mantillas, todo para que las miraran o para buscar novio, no lo sé. Lo que me quedó claro es que a mi no se me pierde nada ahí. 


 Yo estudié en un colegio religioso, algo normal en mi época, quizás sea eso lo que ha provocado una descreída.  En mi casa lo de a religión se utilizaba en propio provecho. Recuerdo que mi madre me dio un sobre con dinero para que lo metiese en la hucha de San Antonio para que mi hermano aprobase PREU y funcionó así que me fui con tres amigas al Cristo de las Tres Gracias a solicitar las que nos correspondían. No estoy muy segura cual fue mi solicitud, pero supongo que pedí dinero, novio y algo más. Una de mis amigas pidió novio, novio y novio. A mi me concedió novio y nada más y a la egoista que pedía tres  tambien le envió uno


 Bueno, ya lo he contado en una entrada del blog, quizás el terror a la religión ya me viene desde mi tierna infancia cuando un sacerdote nos gritaba cosas como "ardereis para siempre, siempre" mientras nos mostraba un altar con angelitos entre llamas, con los ojos saliendo de las órbitas

sábado, 5 de agosto de 2017

SAN CRISTOBAL - HANS MEMLING



 En este cuadro de Hans Memling (1440-1494)- Un encargo de Willem Moreel para que sirviera como retablo para  una capilla de la iglesia de San Jaime, en Brujas, Memling retrata a San Cristobal con el niño sobre los hombros en el panel central. Lo acompañan San Mauro, vestido de monje benedictino y san Gil con un dócil ciervo.  Desde una cueva en  las rocas, un ermitaño con un farol guía a los viajeros por el peligroso camino. El niño tiene la mano levantada, a modo de bendición, mientras Cristóbal mira hacia abajo, dando a entender que acaba de descubrir la identidad del niño al ver brotar las hojas verdes que salen de la vara.

SAN  CRISTOBAL era un cananeo de fuerza y estatura prodigiosas, que podía verse con su barba y su cayado en las puertas de todas las ciudades,  se convirtió al cristianismo para servir al más poderoso de los soberanos. Un ermitaño le pidió que ayudara a todos aquellos que se lo solicitaran a cruzar un peligroso río. Un día, un niño le suplicó que lo llevara hasta la otra orilla. Cristóbal lo cargó sobre sus hombros y se adentró en las aguas. El río se hizo cada vez mas turbulento y el niño se volvió más pesado que el plomo.

A punto de alcanzar la otra orilla, el pequeño se reveló como Jesucristo, que cargaba con el peso del mundo. Le pidió que plantara su vara, y a la mañana siguiente se encontró que había florecido y dado fruto



 EL PINTOR HANS MEMLING- BIOGRAFÍA MUSEO DEL PRADO
                                       Autorretrato

(Seligenstadt, Alemania, h. 1440-Brujas, 1494). Pintor flamenco. Se ignora prácticamente todo sobre su periodo de aprendizaje. Residió, sin duda, en Colonia, en el taller del maestro Stefan Lochner, fallecido en 1451. Antes de estar inscrito, en 1465, en los registros de los burgueses de Brujas -lo que implicaba el derecho a vivir y ejercer allí un oficio- vivió probablemente en Bruselas, en casa de Rogier van der Weyden. Fue seguramente después de regresar el maestro de Italia en 1450, cuando Hans Memling residió en el taller hasta la muerte de Van der Weyden en 1464. El nombre de Hans Memling no está inscrito en los registros del Gremio de Pintores de Brujas, lo que puede indicar que gozaba de una posición de favor. Sin duda, llegó a Brujas a petición de la colonia italiana. 

Autorretrato 

De todos modos, encontró en esa ciudad una clien­tela a la vez local e internacional. Contrajo matrimonio con Tanne de Valkenaere, que le dio tres hijos, murió en 1494 y fue enterrado en la iglesia de Saint-Gilles. La obra que se con­serva de este artista, que fue llevada a cabo en su totalidad en Brujas, es muy extensa y demuestra que el pintor debió de poseer un taller floreciente. Se mencionan dos ayudantes en el registro del Gremio de Pintores: Hannekin Verhanneman y Passchier van der Mersch. A pesar de sus orígenes alemanes, Memling figura, tanto por su estilo como por su técnica, ente los más grandes pintores de la pintura flamenca del siglo XV. 


                                el juicio final

En el tríptico del Juicio final (Museo Nacional de Gdank, Polonia), obra de su primer periodo, pintado entre 1467 y 1471 para Angelo Tani y su mujer, encontramos influencias de Stefan Lochner en el panel izquierdo. La composición central con el Juicio, las reproducciones de ciertos personajes y, sobre todo, su dibujo subyacente, son tributarios del Juicio final de Rogier van der Weyden (Hôtel-Dieu, Beaune, Francia). Prolongó la tradición de sus antecesores y continuó tomando de sus composiciones cierto formalismo en las posturas de los personajes y fórmulas de los retratos de Weyden. Su obra aparece como síntesis en donde la tradición eyckiana está presente: el sentido de la luz, del color, de la fiel ejecución, de las materias, de la imitación de los objetos, así como la atención que presta al paisaje y a la naturaleza. 


                          la adoración de los Reyes Magos

 Sin embargo, la asimilación de estas influencias desemboca en la creación de un estilo muy personal, caracterizado por la búsqueda del equilibrio y la preocupación por la integración de las figuras y de los grupos en su entorno. Hans Memling busca la depuración de las formas y de las emociones para llegar a representar un mundo armonioso. Esta búsqueda se encuentra ya desde la etapa del primer dibujo hasta el resultado final. A pesar de la economía de técnicas y materiales, dispone de tal maestría de ejecución en la tradición de los maestros flamencos que el efecto óptico es óptimo. 


El Retablo de los santos Juanes y el Tríptico ­Floreins, ejemplos de su periodo de madurez, son sus únicas pinturas firmadas y fechadas, realizadas en 1479 para el hospital de Brujas y que han servido para la reconstrucción de su obra. La última de ellas se inspira en el tríptico de La Adoración de los Magos (Prado). Memling fue uno de los más importantes retratistas de su tiempo y su estilo es la base del canon brugeois. Sus cuadros fueron exportados por toda la Europa de la época y siguió influyendo no solo en sus contemporáneos, sino también en los pintores de la generación siguiente en Brujas y Amberes.


viernes, 4 de agosto de 2017

PASAR POR EL ARO



 Leí, uno de estos días, un artículo de PEREZ REVERTE sobre Emilio, un perroflauta que no se quiere someter. Lo califica Perez Reverte como inteligente y culto, un hombre que se jubiló anticipadamente, prefiriendo vivir de una pequeña pensión antes de seguir trabajando para una gran multinacional, vistiendo traje y corbata. Total lo único que necesita Emilio es leer,  oir la radio, tomar un café en un bar y echarse un cigarrillo de vez en cuando. Sus hermanas se encargan de administrarle sus escasas finanzas y pagan la luz, agua y como se niega a tener tarjetas de crédito le dan el poco dinero de bolsillo que Emilio necesita.

El problema es que Emilio, un día que iba a entrar en un café se dio cuenta que no llevaba dinero en el bolsillo y entró en un banco. Despues de esperar una cola que le pareció interminable, al llegar a la ventanilla le pidió a una joven, que en principio le parecio atenta, cincuenta euros.  La chica amablemente le explicó que las cantidades menores de  600 euros había que sacarlas del cajero automático. "No tengo tarjeta y no quiero tarjetas".  La mujer intentó convencerlo asegurandole que la tarjeta no le costaría nada. Emilio, ya enfadado, le contestó: "No quiero tarjeta, solo quiero 50 euros de mi cuenta"


 Cuando la cola ya llegaba a la puerta, se acercó el director a interesarse  "tienes que comprender las normas" "la tarjeta es un instrumento muy práctico para el cliente"- Le dijo.

  Emilio miró atrás, como buscando a quién se dirigía el otro: «¿Me hablas a mí? –respondió al fin–. Porque, mira, soy viejo pero no soy gilipollas». El director tragaba saliva, insistiendo en que el interés del público, la comodidad, etcétera. «¿La comodidad de quién? –inquiría Emilio–. ¿La vuestra?». El otro siguió en lo suyo: «Te hacemos una tarjeta ahora mismo, sin comisiones». 



Emilio ya gritó «Además, eres tonto del haba. Porque el dinero, aunque sea poco, es mío y seguirá aquí. Pero con tanta tarjeta, tanta automatización y tanta mierda, al final quien sobrarás serás tú –señaló a la cajera– y todos estos desgraciados, porque os sustituirán las putas máquinas».
Entonces el director tragó saliva y se volvió a la cajera. «Dale sus cincuenta euros», balbució. Y en ese momento, Emilio el Perroflauta, erguido en su magnífica e insobornable gloria, miró con desprecio al pringado y le soltó: «¿Pues sabes qué te digo?… Que ahora tu banco, tú, la cajera y los empleados que tienes a estas horas tomando café podéis meteros esos cincuenta cochinos euros en el culo. Ya volveré otro día». Tras lo cual se fue hacia la puerta con paso firme y digno.

miércoles, 2 de agosto de 2017

ESCOCIA



Abandonamos Inverness sin ver el Monstruo y nos dirigimos a Glasgow
 La última vez que había estado en esta ciudad habían difundido el emblema  "GLASGOW SONRIE MEJOR"

Este slogan se difundió con el próposito de cambiar la reputación de una ciudad triste, castigada por el desempleo, peligrosa y con una gran decadencia urbanística.  Era la década de 1980, había gente que le parecía una tarea imposible cambiar los efectos producidos por el desempleo y la falta de inversión.  Muchos ayuntamientos se negaban en invertir los escasos medios que tenían en publicidad, mientras la gente no tenía para comer ni para arreglar sus casas. Al fin la campaña fue apoyada por el sector privado y funcionó. El slogan les proporcionó el orgullo de ser ciudadanos de Glasgow, tanto a los que vivían en la ciudad como a los que se habían marchado.


 Hoy Glasgow es la tercera ciudad del Reino Unido despues de Londres y Birmingham

Despues visitamos el "lago emblema de los escoceses"- LOCH LOMOND
En una pequeña oficina de turismo preguntamos por un alojamiento y la amable ancianita que nos atendió dijo que preguntaramos a Mrs Fantfama si tenía alguna habitación. Mrs Fantfama, no más joven que la de la oficina de turismo, nos recibió sonriente con un ¿Como están ustedes? pero enseguida aclaró que era lo único que conocía de castellano. Que bonito es este lago. Recordé la visita que hice siendo una niña. Aquel viaje fue en invierno, había tanta nieve que parecía que el autobús iba entre una barrera de nieve



Por aquellas bonitas y por aquellas bonitas laderas
Donde el sol brilla, en el Lago Lomond.
Donde yo y mi verdadero amor pasabamos muchos días
en las preciosas, preciosas orillas o 'Loch Lomon.

Oh tú tomarás el camino alto, yo tomaré el bajo,
Y yo estaré en Escocia, antes que tú;
Pero yo y mi verdadero amor nunca nos volveremos a reunir
En las bellas, bellas orillas del Loch Lomon.

Fue allí que nos separamos en aquel sombrío valle
En los escarpados y empinados lados del Ben Lomond [montaña],
Viendo la tonalidad púrpura de las colinas Hieland,
y la luna saliendo en el anochecer


Los pequeños pájaros cantan y las flores silvetres florecen [llega la primavera],
Y en el amanecer las aguas están durmiendo;
Pero el corazón roto no conoce segunda primavera,
Estos maravillosos puede dejar su Frae greetin ' 


Ahora no, el sol brillaba sobre las montañas como en  la canción  "the sun shines  bright on Loch Lomond"

Cristo de San Juan de la Cruz es un cuadro de Salvador Dalí, realizado en 1951. Se encuentra en el Museo Kelvingrove en GLASGOW




En el número especial de 1952, editado por la Scottish Art Review, Dalí explica la pintura con las siguientes palabras:
La posición de Cristo ha provocado una de las primeras objeciones respecto a esta pintura. Desde el punto de vista religioso, esa objeción no está fundada, pues mi cuadro fue inspirado por los dibujos en los que el mismo San Juan de la Cruz representó la Crucifixión.


En mi opinión ese cuadro debió ser ejecutado como consecuencia de un estado de éxtasis. La primera vez que vi ese dibujo me impresionó de tal manera que más tarde, en California, vi en sueños al Cristo en la misma posición pero en paisaje de Port Lligat y oí voces que me de decían: "¡Dalí tienes que pintar ese Cristo!".

Y comencé a pintarlo al día siguiente. Hasta el momento en que comencé con la composición, tenía la intención de incluir todos los atributos de la crucifixión –clavos, corona de espinas, etc.- y de transformar la sangre en claveles rojos sujetos en las manos y los pies, con tres flores de jazmín sobresaliendo de la herida del costado. Las flores hubieran sido realizadas a la manera ascética de Zurbarán. Pero justo antes de finalizar mi cuadro, un segundo sueño modificó todo esto, tal vez a causa de un proverbio español que dice: A mal Cristo, demasiada sangre.
En ese segundo sueño, vi el cuadro sin los atributos anecdóticos: sólo la belleza metafísica del Cristo-Dios.


También había tenido al principio la intención de tomar como modelos para el fondo a los pescadores de Port Lligat, pero en ese sueño, en lugar de ellos, aparecía en un bote un campesino francés pintado por Le Nain, del cual sólo el rostro había modificado a semejanza de un pescador de Port Lligat. Sin embargo, visto de espadas, el pescador tenía una silueta velazqueña. Mi ambición estética en ese cuadro era la contraria a la de todos los Cristos pintados por la mayoría de los pintores modernos, que lo interpretaron en el sentido expresionista y contorsionista, provocando la emoción por medio de la fealdad. Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que él encarna.